Frida Khalo (1907-1954) Grâce à ses autoportraits aux couleurs intenses et souvent terribles, Khalo est devenue l’une des peintres les plus célèbres de l’histoire. Frida a passé la majeure partie de sa vie à Mexico. C’est là, à l’âge de 18 ans, qu’elle a été impliquée dans un accident de voiture qui lui a causé de multiples blessures qui l’ont laissée handicapée à vie et en grande souffrance. Elle a commencé à peindre pendant sa convalescence initiale. En 1929, elle épouse Diego Rivera, le peintre le plus célèbre de l’époque au Mexique. Leur relation fut orageuse (ils divorcèrent en 1939 et se remarièrent en 1940) mais dura jusqu’à sa mort. Outre la peinture, la politique était leur passion commune, puisqu’ils étaient tous deux militants communistes. Sa réputation posthume s’est développée si rapidement depuis les années 1980 que son visage orne désormais des articles de toutes sortes et que ses tenues flamboyantes ont fait d’elle une icône de la mode.
Peu de peintres ont produit une œuvre aussi intensément autobiographique que la Mexicaine Frida Khalo : 150 de ses tableaux sont connus, et plus d’un tiers d’entre eux sont des autoportraits. Certaines d’entre elles sont des images assez conventionnelles, mais beaucoup d’autres adoptent une approche différente : ce sont des commentaires personnels sur la douleur physique et émotionnelle de sa vie. Hopeless représente l’artiste allongée dans un lit au milieu d’un paysage aride, avec un entonnoir répugnant rempli de diverses viandes et poissons suspendu au-dessus de sa bouche. Bien que de petite taille, cette peinture est l’une des plus puissantes et des plus troublantes.
Analyse iconographique
Sans espoir (1945) est un tableau de petites dimensions (28×36 cm) et en même temps l’un des plus puissants et des plus troublants de la production de Frida Kahlo. Il représente un banquet de la mort, où l’on voit l’artiste se reposer sur le lit en tenant un énorme entonnoir, appuyé sur sa bouche, d’où déborde un mélange putréfié de viande et de poisson, couronnant toute cette masse de nourriture par un crâne en sucre. Il nous montre ainsi la mort représentée par la putréfaction des aliments, avec en point d’orgue le crâne – également typique du folklore mexicain – symbole direct de la fin de la vie.
Lorsqu’elle a fait ce travail, elle ne mangeait pratiquement pas, ce qui l’a amenée à perdre beaucoup de poids. Elle a d’ailleurs été nourrie avec un entonnoir puisqu’elle refusait de manger. Ainsi, Kahlo, une fois de plus, nous montre un moment de sa vie quotidienne, représentant ses impressions de la vie quotidienne dans des dimensions monstrueuses.
L’inscription manuscrite au dos du tableau est particulièrement intéressante : on y lit : « Il ne me reste plus le moindre espoir… Tout bouge au rythme de ce que contient le ventre ».
Analyse formelle
Le visage de la peintre a une expression claire de souffrance et regarde directement le spectateur, les yeux pleins de larmes, implorant de l’aide. Le couvre-lit qui la recouvre ressemble à un linceul et est décoré d’intéressants motifs circulaires. Ces motifs ont été interprétés comme des œufs ou des cellules non fécondées ou, comme l’a dit Hayden Herrera, par rapport au Soleil et à la Lune, également présents dans le tableau, ce serait un monde microscopique face à la grandeur du système solaire.
Si nous analysons la Lune, qui préside l’un des côtés du tableau en symétrie avec le Soleil qui se trouve de l’autre côté, ce satellite a été interprété comme la propre douleur de Frida, qui persistait même dans les heures de repos ou bien il peut être lu comme un motif féminin, voire comme un symbole de la fragilité de Kahlo. Le soleil joue un grand rôle dans la composition, car il met en évidence les influences de l’art précolombien dans le travail de l’artiste, où le culte du soleil est très pertinent. Elle l’utilise souvent comme une référence à l’énergie, mais dans ce cas, il pourrait être interprété comme une référence à Diego Rivera, son partenaire et mari pendant des années. Enfin, l’arrière-plan de la composition montre un paysage désertique, sec, où l’on peut lire une allusion à son infertilité et à l’absence de progéniture.
Les quatre éléments qui se distinguent du tableau :
1. Expression de la douleur
Frida lance au spectateur un regard implorant, tandis que des larmes coulent sur son visage. Seules sa tête et ses épaules sont à l’extérieur des draps, ce qui contribue à transmettre la sensation de constriction. À cette époque, Frida était en fait obligée de passer une grande partie de son temps au lit, portant un gilet orthopédique. L’artiste a subi plus de 30 opérations au cours de sa vie.
2. Fête des morts
L’énorme entonnoir utilisé pour nourrir le peintre déborde d’un mélange nauséabond de viande, de poisson et de volaille. L’idée de l’entonnoir comme instrument de torture (tel qu’il est représenté dans le tableau) a probablement été empruntée à un livre sur l’Inquisition espagnole. Au sommet du monticule de nourriture crue se trouve un crâne en sucre mexicain portant le nom de l’artiste. Ces crânes étaient courants le jour des morts et leur rôle dans la peinture est de faire allusion à la mort, tandis que le sucre représente la douceur de la vie.
3. Fond stérile
Le paysage représenté dans le tableau est un désert desséché et a été interprété comme une référence à la stérilité de l’artiste. Les blessures qu’elle a subies à l’âge de 18 ans l’ont empêchée d’avoir des enfants.
4. La Lune et le Soleil
Sur les côtés du tableau figurent des images de la lune et du soleil. L’une des interprétations de la présence de ces symboles est la douleur incessante du peintre, qui persistait jour et nuit.
Le contexte et la situation sociale
Le style méticuleux de Frida, son intégration des juxtapositions et sa capacité à rendre l’ordinaire extraordinaire ont conduit de nombreux artistes et critiques d’art à qualifier ses œuvres de surréalistes. Mais l’artiste a toujours rejeté cette affirmation, affirmant qu’elle peignait sa réalité personnelle et non ses rêves.
C’est ainsi que Frida Kahlo se présente à nous, comme un esprit libre. Au fil des ans, son image et sa présence sur la scène artistique se sont faites particulièrement rares, mais elle était sans aucun doute une artiste qui a poussé l’esthétique au-delà des canons traditionnels de la beauté et a atteint son propre style en métamorphosant sa propre image de la réalité.
Aujourd’hui, et surtout depuis les années 1980, son nom et son œuvre ont été récupérés dans le cadre de la revalorisation du travail des femmes artistes par le mouvement féministe. Aujourd’hui, elle est admirée pour sa passion et pour l’originalité de sa production, ainsi que pour son esprit grand et fort qui lui a permis de surmonter une vie de souffrance et qui a fait d’elle un symbole de dépassement et de persévérance.
